Jon Gomm是一位真正的指弹大师，他将在此与大家分享一些建议，帮助大家成为更好的原声吉他手以及创作者。
1. 对你的吉他温柔点
我在开讲习班的时候，给那些在原声吉他上敲击鼓声的乐手第一条建议就是这点，动作一定要小心温柔。主要有三个原因，一是出于音色的考虑，如果你敲击吉他做底鼓的动作太重，然后接下来一个小手鼓动作或者用手的其他部位在别的地方进行敲击，动作重了的话，声音太大会让人体会不到精妙的前后区别了。
如果弹奏的动作温柔一些，瞬间敲击出来的声音会安静很多，你就能听到更多的延音，底鼓动作与小手鼓动作效果的不同。如果动作重，声音就会像是有人在搭棚子。第二点原因在于如果动作轻柔一些，就能更好维持打击乐效果与吉他弹奏之间的平衡。第三点，也有人会认为这一点最重要，是因为你并不想弄坏自己的吉他！
Lowden大师班 Jon Gomm
2. 避开基调强节奏的诅咒
4/4拍的基调强节奏本身没什么问题，可以在第1和3拍上进行底鼓敲击，在2和4拍上进行军鼓敲击。只不过，吉他手经常会弹一些指弹曲调，在第2和4拍上拍弦，偶尔在第1和3拍上敲击底鼓。
这样奏出来的效果已经算不上是最糟糕的鼓手了，充其量像一个节拍器。要想加入这样的音色效果打开节拍器就好了。你得更有创造性才行，别只满足于鼓手第一节课就能学到的入门级技巧。尝试通过让鼓点不要落在显而易见的拍子上，来制造出有意思的韵律感。
3. 今天学习一个新的音阶或者调式
电吉他手一般音阶或调式都掌握的还可以，比如很多电吉他手可能都知道利底亚调式，知道这是Joe Satriani或者Steve Vai likes喜欢用的调式。但很多原声吉他手就完全不知道利底亚是什么了。学习音阶其实很简单，上网找教程或者打开吉他杂志，熟悉音阶上的音符，在吉他上尝试弹出来就可以了。用一根手指上下拨动一根弦就是很好的学习方法，然后再将音符整合创造一个和弦。
我那首最著名的Passionflower，就是用了利底亚调式。那是经过我专门设计的，因为很少有人会用这个音阶，所以大家听起来会觉得很新奇有趣。无论是进行创作和伴奏，都可以学习音阶并马上利用，我建议大家这样做。
4. 配备良好的拾音系统
在考虑原声吉他上的拾音系统时，应该从零开始，另起炉灶。你原声吉他的本声其实没那么重要，不过你如果真的很喜欢原本的音色，并且在表演时希望展示出来这种声音，那你就需要坐在麦克风前弹，这是唯一的方法。但通过用拾音器我能调试出更好的音质，达到我想要的丰富的打击乐效果，还可以在需要时使用过载效果。
拾音器能够帮你打造出立体音效，我在音孔的位置放置了一个带有麦克风的双线圈拾音器，通过单独的线路输出。还在面上安装了传感器以及吉他的三个独立输出，对应独立的EQ调节，它们都各司其职有不同的作用。
我认识的乐手都至少使用能带起三种音效的电路，音孔部位的电磁式拾音器能够很好地塑造出丰富而温暖的中音区，而且对低音也很友好。而吉他内置的麦克风对高音和敲击效果都有很大提升。通过这两种音效能够打造出很好的吉他效果，但吉他本身音色可能没你想象中那么重要。
5. 将开放式调弦作为创作的根基
有人会选择将吉他调弦到DADGAD ，然后再学习这个调弦上的一些音阶与和弦。但我建议尝试在你没用过的调弦基础上，将你的灵感马上记录下来。
尝试进行探索，手指来回弹拨来寻找可能性。虽然这种创作的方法听起来相当原始，但非常自由，也是过去很多伟大的作曲家所使用的方法。想象一下Kurt Cobain创作Smells Like Teen Spirit中的即兴重复段，他显然是来回移动手指听哪个地方强力和弦的效果好，就这样创作出来的。
这真的是种非常棒的创作方式。标准调弦几乎已经很难写出新意了， 一旦你进入新的调弦，用手指来回拨弄尝试，就有可能创作出前所未有的新编排。
6. 通过拓展技巧打磨歌曲创作
如果大家对原声吉他的新技巧感兴趣，现在也有很多人在创作的时候应用这些新技巧。现代吉他指弹风格的另一大诅咒，是大家创作一首指弹曲子，听起来就像是常规的曲调，中间突然就拍打出了强烈和高亢的和声。这倒也不是到了糟糕透顶无可挽回的地步，当然也有用这种方式创作出来的优美声音，就比如我和我的好朋友Andy McKee，即使曲调中有突然出现拍打出的和声，也是带着旋律音的，作为曲调的重要组成，而不是比较突兀的加录混音。如果要使用这些技巧，建议从开始就将其融入到曲子中，别到中间再填进去，那样既不合适也不好听。
7. 脱离吉他进行创作
吉他手们大概都很害怕离开自己的吉他，正如吉他手们害怕看乐谱一样。他们会认为如果手中没有吉他，就无法通过音乐表达自己了。大家总是开玩笑说“让吉他手闭嘴的最好办法，就是在他们面前放一张谱子”。我认为更妙的一种说法是“阻止吉他手成长为音乐人的好方法，就是拿走他们的吉他。”
作为一个保守派害怕看谱子的吉他手，我经常在脑海中进行创作。我经常自己躲在宾馆，或者躲在家中的洗浴间，对着我的手机哼唱一段低音或者旋律。听广播的时候，如果听到哪一段旋律让我想要借鉴，我也会将这些音符哼唱出来，之后再将它们用在歌曲创作中。
我刚刚创作了一首乐曲，副歌部分灵感就来源于Jeff Buckley的现场版CD，他在歌唱中加入了一些五声音阶的加花。我很喜欢所以演绎了一下，扩展成了这首歌的副歌。
8. 调整弹奏姿势
这一点建议有两个重点：一是你的手掌和手腕，另一个是身体的姿势。每次我弹奏吉他或者做表演之后，都会做一下拉伸。每侧手拉伸五六个部位，手指、手掌、前臂到手指的肌腱。这样才能避免受伤。弹吉他是一种反常的运动，对身体没什么好处。大约15年前，我的肩膀得了肌腱炎只能做手术。从那以后大家也都能猜到，我开始格外注意拉伸以及演奏的姿势。具体比较难以用文字描述，但如果你担心自己的姿势问题，或者感到不舒服，手发麻甚至已经受伤的话。就赶紧找出到底是哪个姿势出了问题，越快越好。别对这个问题漫不经心，我经历过，真的很不好受。
9. 尝试用吉他对非吉他曲目进行再创作
很多年轻的原声吉他手现在的作品，都能听出来是受了Andy Mckee、Antoine Dufour、Don Ross、Michael Hedges或者是我的影响。这种吉他方面的影响能够听出来，但其他就听不出来了，这是比较单纯的吉他导向的输入模式。我经常建议吉他手们尝试对其他乐器的声音进行二次创作。
我自己在作曲过程中 就经常这样做。我尝试让自己的吉他伴奏听上去像是80年代的合成器流行乐队，或者是配音雷鬼乐队或爵士三重奏。我不仅会考虑流派，也会考虑对这种类型音乐的整体音色印象。我总是把目标对准两个方面，有所兼顾。希望能用这样的方式能让自己的创作不落窠臼。
10. 忠于自己
这一点其实很难做到，甚至理解其内在含义也没那么最容易。但你在音乐中越多的将自己融入进去，你的创作就会越独特而有趣味。在进行下一首歌曲的创作之前，你需要问自己几个问题。你为什么要创作这个作品？创作的目的是什么？很多人只是想写出好听的曲调或者让人们听到后想要随之起舞的音乐，这些理由当然很正当。但对我来说，真正将自己投入到音乐中的方式，应该是思考“我的动机是什么？这段音乐存在的意义是什么？它能给这世界带来什么不同或者带来哪些价值？”
历史上有很多反抗音乐，但现在却很少能听到了。比如在我们同辈指弹乐手中，我自己是我所知唯一写歌反抗自己的政府的艺人。指弹吉他手或者流行音乐人，没有任何理由退化成为人们左耳进右耳出的还算好听的噪音。而这些音乐类型曾在几十年的社会发展中扮演了非常重要的角色。
去年我碰到了Nile Rodgers，他向我展示了Good Times歌曲中的和弦变化。那些和弦不太常见，我还以为一定是爵士风格的影响，但实际并非如此。因为受过古典训练，他的很多和弦编排都是出自古典训练歌唱为主导的理论。他作为音乐人，只希望人们感觉良好，同时他也有音乐以及理性方面令人激动也很有新意的内容表达。而这正是这首乐曲除了被划为迪斯科舞曲之外存在的意义。
吉他配置
背侧板 美洲黑樱桃木
面板 双面板（云杉/红雪松）
音孔环饰 鲍贝、紫檀
包边 胡桃木
镶边 桃花心木、枫木、紫檀
旋钮 Gotoh SG 381镀金黑檀旋柄
琴码 紫檀
琴颈 五拼：枫木/紫檀
琴头贴面 正面为带有花纹的胡桃木
可选琴型 O型缺角
